La galerie est ouverte au public du vendredi au dimanche de 14 h à 19 h ou sur rendez-vous.

Entrée gratuite – visite libre ou commentée.

Médiathèque d’Amilly

56 rue des Droits de l’Homme

Martin Barré

Alexander Clader

Claire-Jeanne Jézéquel

Pierre Tual

Arnaud Vasseux

 http://clairejeannejezequel.blogspot.fr/

http://documentsdartistes.org/artistes/vasseux/repro.html

 http://www.pierre-tual-sculpture.com/

Sylvie Turpin

dé-composition

La décomposition est un mode d’approche de la forme,(végétale, animale,humaine)qui accompagne l’histoire de la peinture de manière évidente, au moins à partir de la Renaissance (XVIe siècle).

On se souvient des carnets de Léonard de Vinci, de ses études de détail des végétaux, d’animaux, du corps humain, annonçant ce qui sera plus tard la botanique, l’entomologie et l’anatomie.

Presque en même temps apparaît dans les ateliers l’usage des « membra disjecta » (membres coupés) qui permet aux artistes d’étudier la dramaturgie d’une composition, en déplaçant les éléments dessinés du corps (bras, jambes, etc…) jusqu’à atteindre la position la plus significative.

Avec Etienne Jules Maray (1830-1904), l’inventeur du fusil chronophotographique, un progrès important est réalisé : cette fois, grâce à la technique, c’est la décomposition du mouvement (et non plus seulement de la forme statique) qui est dévoilée.

Cette découverte, dans un contexte scientifique, a des effets immédiats dans l’art : Degas en parle et il est évident que ses études de danseuses en tiennent compte : leur position, leurs postures sont autre chose qu’un croquis anatomique, elles enregistrent les éléments du corps dans le déplacement et le mouvement.

Même Bouguereau prend acte de l’analyse « chronophotographique » des chevaux pour se l’approprier. De manière plus évidente, Rodin manifeste dans ses études anatomiques « décomposées » (main, jambe, pied…) une attention particulière à ce procédé.

Cependant en termes de peinture, le pas décisif est réalisé par le cubisme analytique : là nous passons d’une décomposition qui détaille le mouvement, à une dé-composition qui porte sur les éléments eux-mêmes, qui donne à chacun une autonomie explicite, au profit de l’ensemble qui est le tableau. Le collage est l’invention technique qui correspond à cette forme dé-composée : avec le collage, c’est la peinture elle-même, matériellement, qui procède par éléments. Cependant le collage ne se réduit pas à sa définition technique, il est une manière de voir et d’élaborer qui va bien au-delà de ses caractéristiques matérielles. Ainsi au début des années 20 le groupe De Stijl, Mondrian, Van Doesbourg… utilise le terme d’’ élémentarisme » pour désigner la forme radicalement abstraite qu’il introduit dans l’histoire de la peinture.

Les artistes présentés Martin Barré, Alexander Calder, Claire-Jeanne Jezéquel, Arnaud Vasseux… sont à la fois les héritiers et les acteurs de cette histoire de l’art qui a enregistré les multiples et différentes voies de la dé-composition.

Sylvie Turpin

Photos

www.sebastienpons.net         www.rolandflexner.com

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Clélia Nau

Explorer de nouvelles « traverses de la vanité1» dans un univers désormais profane, dé-théologisé, mais dont la « liquidité2» même, propre selon Zigmunt Bauman au monde capitaliste contemporain, fait d’inconstance et de mobilité, de relations professionnelles et affectives instables, d’incessante consommation, de précarité, ne ferait qu’accroître le sentiment d’incertitude, d’angoisse et de vacuité, c’est ce à quoi engagent les œuvres ici rassemblées (encres sur papier, photographies, sculptures en résine peinte, reliefs en plâtre et carton ondulé, toiles brodées), chacune réinvestissant, dans le médium qui lui est propre, l’ancien lexique (symbolique) des Vanités. Et le réinvestissant – ainsi du crâne funèbre des memento mori : qu’il soit refait au graphite soluble sur papier pour apporter la preuve texturale que la catégorie de dessin à laquelle appartient le graphite est celle de l’os, plutôt que du muscle ou de la chair3 (Flexner) ; qu’il soit reconstruit par le comblement de son creux en strates, sédiments superposés pour servir lui-même par évidement d’un plein de dispositif constructeur à un relevé géologique (Pons) ou que lui restitue une manière de charnellité le pointillisme duveteux d’une broderie (Amstutz) – pour réactiver, réexaminer ce qu’il porte d’interrogation sur la mort, le passage, le flux, en même temps que pour le déplacer, le détourner de son sens originel, le recycler en une fonction nouvelle, renverser les effets corrosifs de l’éphémère en effets de création, trouver là même où se fait sentir « le souffle du vide » le ferment d’une résistance à la mélancolie. Non qu’on puisse jamais changer notre destin d’être-pour-la-mort, arrêter le temps. Mais ce temps, l’artiste peut à tout le moins le scander, le rythmer autrement. Qu’il décide d’habiter l’écume, le flux, de faire du fugace, de l’évanescent le champ opératoire du dessiner (Flexner), ou au contraire, tournant délibérément le dos à la « vie liquide » moderne, d’installer son dispositif de production dans un temps considérablement ralenti, étiré (Amstutz) ou encore, que par l’inversion et l’accéléré il s’octroie le privilège de Dieu (lequel parvint par insufflation à animer le moule en argile creux d’Adam) de rendre au squelette son enveloppe de chair, de ressusciter les morts4 (Pons).

Clélia Nau

1 Pour reprendre le titre de l’article de Louis Marin, « Les traverses de la vanité », in Les Vanités dans la peinture du XVIIe siècle, Paris, Albin Michel, 1990, p.21-30.

2 Cf. Zygmunt Bauman, La Vie liquide, trad. C. Rosson, Rodez, Le Rouergue/Chambon, 2006, cité par Frédéric Cousinié in Esthétique des fluides, Paris, Éditions du Félin, 2011, p.335.

3 « Il y a des catégories du dessin qui m’ont toujours fasciné, celles du muscle, de la chair, de l’os. Je pense que le graphite appartient à la catégorie de l’os. Quand je travaille un crâne ou un squelette, j’ai l’impression de mettre en branle une extension du matériau vers la forme, dans un registre mimétique que je trouve satisfaisant pour la pensée », explique ainsi Roland Flexner à propos de ses dessins au graphite (1993-1995) rassemblés sous le titre de « Vanités » (cité par Anne Tronche in « La double visibilité », 1 :1 Roland Flexner, Michel Baverey éditeur, 2002, non paginé). Dessins évidemment liés à ses encres, mais qui ne sont cependant pas ici exposés.

4 Dans une vidéo, sans titre (2008) de 5’42 minutes, où l’on voit une matière liquide, visqueuse, progressivement s’accumuler sur un crâne pour y constituer un masque de chair. L’artifice tenant, en réalité, au montage inversé de la progressive dissolution, sous l’eau, d’un moulage d’huile préalablement congelé.

]]> http://www.galerieagart.com/vanites-et-autres-recits/feed/ 0 http://www.galerieagart.com/18-fevrier-vernissage-de-lexposition-vanites-et-autres-recits-a-18h/ http://www.galerieagart.com/18-fevrier-vernissage-de-lexposition-vanites-et-autres-recits-a-18h/#comments Sat, 28 Jan 2012 14:09:17 +0000 adminagart http://www.galerieagart.com/?p=1395 L’AGART vous invite à nous faire partager vos talents de poète ou de slammer sur le thème des vanités lors de sa session
café/ slam / poésie qui se déroulera samedi 14 avril à 16 h.

Si vous souhaitez participer à cette séance pour lire, déclamer,  réciter, chanter, merci de nous contacter par email ou téléphone.
Vous pouvez également venir en simple auditeur.
Ouvert à tout public.

Le catalogue de l’exposition sera présenté à cette occasion.

Photos

http://jeremyberton.blogspot.com/

http://jennifercaubet.com/

Si maintenant, où?

Une toison à la corne d’or guette un cerceau de feu équilibriste. Des flèches noires déroulent leur attente contre le mur.  Quatre allumettes siamoises dansent comme elles peuvent. Deux quilles montent la garde pour une île arrivée là ou d’ailleurs. Prenant l’exposition pour territoire, quatre sculpteurs remettent en jeu des relations engagées dans le cadre d’un enseignement pour y trouver d’autres horizons. Il ne s’agit pas alors de construire une totalité mais de faire que le travail de chacun existe pleinement dans le rapport à ce qui ne lui ressemble pas. D’une pièce à l’autre, chercher à la fois la consonance et la dissonance, ouvrir la possibilité de l’anecdote, de la circulation des perceptions,  d’une fiction sans auteur, d’une utopie sans système.

Jérémy Berton, Jennifer Caubet, Anne Rochette et Xue Sun

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